21 de diciembre de 2016

La música en la primera mitad del siglo XX ( temas 5 y 6 )

Los temas para las próximas semanas son los números 5 y 6 . Los veremos a través de vuestras exposiciones . Será un recorrido por una multitud de autores y tendencias tanto dentro de la tradición clásica ,  el jazz y  la música popular.

Hacia los años 20 las grabaciones se vuelven  mucho más fiables gracias al micrófono eléctrico y este hecho junto a la  comercialización de la radio marcan el signo de la sociedad de los mass media tal y como los conocemos hoy en día.

Algunos compositores se erigen en los portadores de la Verdad del Arte que ignora las tentaciones del floreciente mercado musical creando una división insalvable entre la música elaborada y el público.

Estos temas son muy amplios,  en clase  se hablará acerca de los principales puntos de los  esquemas que luego se completarán  con la lectura de ciertos pasajes. Hay que tomárselo con calma porque hay bastantes datos,  de todos modos lo que se ve en el tema  5  es bastante  conocido: la 2ª Escuela de Viena, Stravinsky y Bartok, por un lado con la música popular y el jazz de los años 20 por otro y la enorme influencia de la tecnología en la producción y consumo de la música.

En el tema 6 ( ya desarrollado) se trata con más detenimiento el período de entreguerras, con la influencia de la política, la Nueva Objetividad, Les six, La Jeune France  la música en la URSS y durante el nacionalsocialismo y en los fascismos , y por supuesto la música en Norteamérica y  Latinoamérica tratando especialmente en este punto la interrelación entre la tradición clásica  y la popular.

17 de diciembre de 2016

Tema 6 La música en la primera mitad del siglo XX ( II)

Se publica en CESGA la segunda parte del tema referente a la música en la primera mitad del siglo XX. Aparece como tema 6 . Algunos de sus epígrafes se verán en las exposiciones

Igor Stravinsky Foundation

Es la página web de la Fundación francesa Fondation Igor Stravinsky; en ella  podemos recorrer el catálogo de  obras del genial  compositor ruso, sus escritos, biografía, sorprendentes fotos  de su vida, fragmentos musicales,  vídeos, interpretaciones, etc...

Para entrar directamente hay que  hacer click en la imagen.





El legado de Harry Partch


Durante décadas Harry Partch (1901-1974) fue  casi un completo desconocido en ciertos sectores  musicales quizá porque no entraba de manera fácil  en ninguna clasificación quizá porque  jamás tuvo la más mínima intención de integrarse y realizó una propuesta que se alejaba no sólo de la música tradicional sino incluso de las ideas elitistas de los compositores contemporáneos.  Inquieto e impredecible  desde  niño,  su nombre  suele asociarse a los vanguardistas norteamericanos de los años 60 Muchas otras  veces se le menciona por  la colección de  instrumentos de su propia creación. Partch fue desde luego un visionario, capaz de seguir hasta el final con su idea de juventud ;  genial y único buscó un camino de descubrimientos mediante  la percepción de nuevos sonidos  lo que hizo que su música se volviera cada vez más y más personal.
http://www.youtube.com/watch?v=UzfzT2NnmZs

Para él los doce tonos de la escala eran una limitación así que optó por construir sus propios medios de expresión  "la música no es sólo una escala, no son sólo acordes y frases de ocho compases, no es un compás determinado ni siquiera ha de ser una melodía, tenemos que aprender a oír y por eso no debemos cerrarnos, nada nos impide seguir con la tradición mientras se buscan nuevos caminos" . El planteamiento primero fue el de la eliminación de " las escaleras de los tonos",  la creación de una música monofónica y microtonal . Para ver y oir su música y sus instrumentos nada mejor que darse un paseo virtual por la página web dedicada al autor(http://www.harrypartch.com que fue creada por la Newband (http://www.newband.org) uno de los principales grupos de música microtonal del mundo , son ellos los  que custodian  actualmente la colección de instrumentos de Partch y otras áreas de su legado y es muy interesante escuchar y ver alguna de sus propuestas. 

16 de diciembre de 2016

Pioneros de la música electrónica

En este enlace  http://120years.net/ se puede ver un historia esquemática e interactiva de los instrumentos electrónicos.Es interesante sobre todo el material gráfico,  a veces bastante difícil de obtener en libros o incluso en la web. La página es antigua y tiene un diseño casi soviético para que nos pongamos a tono con la estética de mucha de la música relacionada con los primeros electrófonos.   

Sí, 120 años de los primeros allá por los 1880 y por cierto  ni una sola historia sistemática en español sobre una materia que está en la música actual   en mayor proporción de lo que creemos. La página tiene un diseño muy sencillo : en la columna de la izquierda se despliegan archivos con la historia de cada uno de esos instrumentos, sólo hay que ir haciendo click sobre cada uno de los ítems.De paso señalo  dos vídeos interesantes sobre los electrófonos pioneros: 1.En el primero vemos una interpretación de una melodía tradicional hebrea de  la lituana Clara Reisenberg , una niña prodigio del violín con sólo cinco años, que luego se cambiaría el nombre por Clara Rockmore y de paso cambiaría  también de instrumento.

Su forma de tocar el theremin es bastante romántica pero el vibrato no es sólo en este instrumento una cuestión expresiva: hay que tener en cuenta la enorme dificultad de afinación del instrumento. Su hermana Nadia la acompaña al piano en este vídeo de los años 60,  las dos ya ciudadanas  americanas. Es fácil ver que  la mano derecha controla las alturas y la izquierda la intensidad, es como tocar en el aire... Si alguien tiene curiosidad puede echar un vistazo al método de Theremin de Clara  que está traducido al español. 
 2 . En el segundo vemos al inventor del        instrumento,  Lev Sergeyevich Termen, que también  se cambiaría el nombre  por el de Leon Theremin  explicando el   funcionamien-to del instrumento  a principios de los 30. Habla en ruso pero la demostración práctica se entiende perfectamente. La vida de Termen serviría para un guión de cine. Implicado en una multitud  de variados  inventos,  alguno de ellos estaría relacionado con el espionaje en la Guerra Fría.  En  1946  unos niños  soviéticos regalaron  una réplica en madera de unos 70 cms del sello americano del Congreso  al embajador norteamericano Averll Harrimann.  

 El espía estuvo funcionado durante al menos seis años hasta que el equipo de un nuevo embajador  descubrió que en su interior había un micrófono y una cavidad de resonancia que podían ser estimulados  desde el exterior mediante una señal de radio.   O sea que Theremin es también un famoso espía soviético como se puede ver en este reportaje. http://spybusters.com/Great_Seal_Bug.html

La música "degenerada" en la Alemania nacionalsocialista

En Alemania desde el ascenso al poder de los nacionalsocialistas en 1933,  hubo una sistemática persecución cultural que se fue volviendo cada vez más agresiva con el tiempo. El acoso se dirigió fundamentalmente  hacia lo no alemán, hacia los músicos de izquierdas y  especialmente hacia los músicos judíos, éstos o se exiliaron o terminaron en campos de concentración,  como ocurrió con  Viktor Ullman.

Los nazis catalogaron como "Entartete musik" ( música degenerada) todo aquello que no "pudiera entenderse" o que fuera claramente extranjero, así rechazaron la música no tonal, el arte abstracto y expresionista y también  el jazz que era para ellos "música de negros y judíos"( en este cartel  de la época se aprecia la muy  poco sutil visión del asunto en la propaganda alemana del momento) . Además de perseguir el consumo de este música que había entrado en Alemania en los años 20 , los nazis hicieron la vida imposible a los compositores modernos hasta ningunearlos,  hundirlos y hacer que muchos abandonasen Alemania.

Para los nacionalsocialistas ( al igual que para el régimen stalinista de la URSS ) había dos tipos de música: la popular, profundamente alemana y la gran tradición romántica - también alemana- que culminaba en el mayor icono del pangermanismo musical, el también antisemita, Richard Wagner.

El cartel de arriba  es un intento de ridiculizar la música norteamericana del momento con una evidente, auqnue burda, lectura racista ( la Estrella de David en la solapa es un añadido llamativo), todo ello se inscribe en el tipo de  maniobra utilizada habitualmente por la propaganda  nacionalsocialista. Los fascismos no consideraron al Arte algo menor que no hubiese que controlar ;  de hecho invirtieron muchísimo tiempo y energía en modelar lo que ellos llamaron la Cultura Nacional.

Quizá   fue ésta una de las época de la Historia donde la política influyó más en la música y en los músicos y viceversa. Tras la SGM, las tendencias cambiarían y de nuevo el Arte intentaría estar al margen de lo político. Pero fue sólo una cuestión de tiempo: arte y  política  han estado durante  siglos estrechamente entrelazados y el siglo XX es un ejemplo de esa tensión entre el compromiso y las musas.

Historia del jazz en JAZZ (2000) de Ken Burns



La premiada serie  documental de Ken Burns, JAZZ (2000) ofrece una panorámica general de la Historia del jazz y está en el mismo estilo de otros de sus clásicos  trabajos con zooms y paneos sobre imágenes, fragmentos de películas y conciertos y comentarios sobre los músicos históricos hechos por músicos actuales. Obviamente hay una buena dosis de buena música en ellos y reflexiones muy interesantes. 

 http://www.youtube.com/watch?v=pzZRnQP75_4

13 de diciembre de 2016

FECHA PRIMER PARCIAL HISTORIA DE LA MÚSICA III

El viernes, 16 de diciembre a las 13, 30 en el Aula de Orquesta se realizará el primer parcial de Historia de la música III para los alumnos con evaluación  continua.

La materia que entra en este parcial es la de los cuatro primeros temas.  

Preguntas de desarrollo del parcial de HM III


Éstas son las posibles preguntas de desarrollo. Se podrá elegir una entre dos . Esto no significa de ninguna manera que esta parte del temario no se pueda preguntar en el apartado de preguntas breves o en el  de audiciones. 

Tema 1
-Ópera italiana en la primera mitad de siglo.
-Verdi: Características de su música, carrera y producción.
-Wagner : Características de su música, carrera y producción.
-Teatro musical en España en el siglo XIX .

Tema  2
-Johannes Brahms y el Romanticismo Tardío alemán
-La música rusa. El grupo de los Cinco.

Tema  3
-La música en España a finales del siglo XIX
-La música en Galicia a finales del siglo XIX


Tema 4
-Panorama musical general a comienzos del siglo XX( punto 2 )
-Alemania y Austria : la continuación de la tradición clásica
-Francia : el nuevo sonido de la música

-Tradición clásica española

Comentario de audición

Comentario de audición

 Giorgy  Ligeti , Atmospheres http://www.youtube.com/watch?v=fXh07JJeA28

Se trata de una obra del compositor húngaro Giorgy Ligeti basada en los procesos texturales típicos de los años 60 del  siglo XX. en ella Ligeti utiliza una orquesta completa que maneja por medio de capas de sonido como bloques de armonía estática en la superficie. Los instrumentos tocan simultáneamente toda la gama cromática en toda su extensión ( de 4 a 5 octavas en total) por medio de los llamados clusters o grupos de sonido. Se trata de conseguir ese movimiento de atmósferas sugerido en el título por medio del manejo de bloques de sonido. Se juega con las masas de sonido y con la dinámica que se escribe en el papel sin utilizar la notación convencional sino otros signos gráficos que el intérprete debe de completar. dentro de la orquesta las voces realizan una suerte de micropolifonía ( como el autor la denominó) que se compone de un contarpunto aleatorio de células muy rápidas y cortas.

Esto ya sería más de lo esencial pero se puede añadir más si uno no se acuerda en concreto de las características de la obra, sin inventárselo claro:

La música tras la SGM ofrece un cambio de orientación ya que la experimentación y otros criterios de construcción harán que muchos compositores tomen el camino de la vanguardia, abandonando los clásicos conceptos de melodía y armonía, etc...

Anton Webern

Condenado al fracaso total en un mundo sordo de ignorancia e indiferencia, inexorablemente continuó puliendo sus diamantes, sus impresionantes diamantes, de cuyas minas tenía un perfecto conocimiento.
Igor Stravinsky


Anton Webern , discípulo de Schönberg tiene un catálogo de obras no muy amplio . Sin embargo,  muchas de sus piezas tienen un enorme magnetismo difícil de encontrar en otros autores contemporáneos. Quizá por esta forma de componer tan concentrada y esmerada Webern fue el principal guía para los compositores  modernos tras las Segunda Guerra Mundial.

La cuestión es como sin una melodía ni una armonía, (ni tan siquiera una textura)  relacionada con la tradición, el compositor consigue crear espacios sonoros irrepetibles y una espacialidad nunca vista hasta ahora en la historia de la música, y  todo ello basándose en el entonces novedoso sistema dodecafónico creado por su maestro, cuyos límites son tremendamente restrictivos.


Sinfonía  op 21 (1928)

https://www.youtube.com/watch?v=XKD_tZr-ZpY&list=RDXKD_tZr-ZpY

Petrushka

Petrushka, uno de los ballets rusos de Stravinsky  fue compuesto en 1910 y estrenado en 1911. Marcadamente antirromántica en muchos aspectos, contiene muchos de los elementos que no abandonarán su música  Su forma de exponer las melodías es diferente al tratamiento tradicional, en lugar de un desarrollo temático melódico- armónico, el compositor prefiere unir un número determinado de módulos melódico-rítmicos,  el resultado del texto musical se produce   en base a las diferentes combinaciones entre esos módulos. Este proceso  constituye en sí uno de sus característicos sellos formales. 

Aunque la música es diatónica en al primer cuadro, Stravinsky recurre pocas veces a las clásicas relaciones entre las funciones tonales;  incluso cuando aparecen las numerosas citas de la música popular,  lo hacen  en un entorno rítmico melódico (y  tímbrico) que funciona como un kaleidoscopio de acción y música  para  describir la gran animación de  una fiesta de Carnaval característicamente rusa. 


 La  película es una  producción de 1997 del Ballet Bolshoi que reconstruye la versión del estreno  y nos muestra un enorme  y atractivo  colorido ambiente ruso con  la coreografía original de Forkine  y la escenografía y trajes también  originales de Alexander Benois.  Espectacular.

La Consagración de la Primavera

 En mayo de 1913 se estrenó en el Theatre des Champs Elysees de París la compañía de ballet Les Ballets Russes  de Diaghilev con la coreografía de Nijinsky Stravinsky y la música de Igor Stravinsky. La obra acabaría por desvincularse de su función y se convirtió en una obra de concierto   característica de la estética modernista aunque sigue siendo interpretada como ballet de manera regular.

La Consagración sigue siendo una obra grabada también con frecuencia, en ella muchos analistas ven reflejadas características claras de la música rusa algo que el compositor negaría en varias ocasiones.
Varias versiones del mismo Stravinsky circulan alrededor del origen de la idea de la obra  En principio  parece haber sido fruto del interés en el folklore ruso que S. compartía con Nikolai Roerich, uno de los principales expertos en cultura rusa y  escenógrafo y diseñador de vestuario  del ballet. Stravinsky había puesto anteriormente música para poemas del simbolista Sergei Godoretsky, lo que sería una de las fuentes para la génesis de la obra.

El subtítulo del  ballet "Escenas de la Rusia pagana" da una idea muy aproximada de las intenciones de Stravinsky y Roerich: la presentación de un  ritual de sacrificio imaginario precedido por una danza salvaje y otros ofrecimientos a la Madre Tierra, en este ritual una joven debe bailar hasta la muerte

.En la primera escena nos encontramos con la Danse des adolescentes que caracteriza muy bien el estilo de este Stravinsky primitivista cambiando las reglas de acentuación de la métrica tradicional, reduciendo el ritmo a la pulsación elemental no organizada a la manera de ese imaginario mundo primitivo. Una serie de ostinatos basados en células cortas y rápidas( atención a la del corno inglés) son la base constructiva de este pasaje creando de esta manera bloques estáticos de sonido que se suceden y se repiten durante toda la obra , se crean así diferentes "zonas" armónico-tímbricas que renuncian al desarrollo típicamente germano-decimonónico. Estas zonas son  muy contrastantes entre sí y se repiten o simplemente desaparecen. 

Pero una cosa es la superficie y otra el tejido de relaciones sutiles entre estas diferentes zonas o entre las capas que la componen. Los cambios de timbre sustituyen al desarrollo motívico, algo característicamente rimskiano y las disonancias se basan en la superposición de escalas o acordes de sistemas también rusos como la escala octatónica ( de nuevo Rimski) y las escalas diatónicas del folklore. Aunque más tarde sería menos evidente S nunca dejó de utilizar estas técnicas en mayor o menor medida.