22 de marzo de 2015

TEMA 4 La música en Europa a mediados del siglo XVIII

Éste el esquema que hay que seguir para realizar el tema 4 . No hay tiempo  para exponerlo ni  se verá en clase pero el contenido entra en el examen .


1 El contexto
1.1 Europa a mediados del XVIII. La Ilustración.
1.2 La función social de la música. El concierto público
1.3 La conciencia de estilo y  el  gusto. Terminología estilística y sintaxis musical.

2 La música vocal a mediados de siglo.
2.1 Italia: la ópera seria, ópera bufa y el intermezzo.
2.2 Operas en otros países: Francia, Inglaterra y Alemania.
2.3 Gluck y la Reforma de la ópera.
2.4 Opera dieciochesca en España.


3 La música instrumental .
3.1 Nuevos instrumentos y formaciones.
3.2 Géneros y formas. La forma sonata. Otros. 
3.3 Música de tecla: D. Scarlatti,  CPE Bach y  Antonio Soler 
3.4 La nueva música de orquesta .Sinfonía y concierto 
 

19 de marzo de 2015

Partitura e información de la cantata BWV 62

Se puede descargar en CESGA la partitura en la edición de la Bach Gesellschaft. También adjunto  un documento con información importante sobre la cantata

Enlaces a Spotify

13 de marzo de 2015

Comentario de audiciones

En principio y aunque resulte un poco obvio  hay algunas condiciones  previas al comentario de audiciones: por supuesto la primera es estar familiarizado en mayor  o menor medida con música del estilo de la obra que se va a comentar ya sea mediante su escucha , interpretándola, conciertos o por supuesto con grabaciones.O  sea hay que practicar, como en todo.

 Además es importante también haber adquirido un mapa cronológico de los estilos y géneros y por supuesto dominar las herramientas del comentario histórico y auditivo
  Algunas cuestiones imprescindibles que hay que considerar aunque no hay que comentar sistemáticamente todo en todas  

Aspectos Básicos :
  -Época. Cuanto más preciso sea , mejor aunque depende en gran medida del tipo de nivel en el que estemos, de la profundidad que utilicemos en el estudio

 - Música Vocal o instrumental , tienen diferente enfoque ( en la música vocal está el texto )

 -Contexto
 -Textura
 -Agrupación  ( e instrumentación)
 -Obra completa o parte.
 -Forma.
 -Armonía
  Otros: Ritmo, Melodía...Autor ( Especialmente en obras del cánon o especialmente conocida)

-Aspectos históricos y teóricos
  Con todos estos datos se realiza una redacción breve de la obra o fragmento pero con los elementos principales. El orden es libre.

  Ejemplo:  1er movto Concierto op 3 nº 6 de A Vivaldi
  Es un movimiento de una obra (instrum) de orquesta de cuerda( formación orquesta)  con violín solista de la primera mitad del XVIII , es un concierto , solían tener tres movimientos (allegro- adagio allegro), éste es el primero que tiene la forma ritornello, esta forma no es un molde como la forma sonata sino que consiste en una serie de pautas de las cuales la principal es la alternancia entre el conjunto y el solista utilizando ese ritornello completa o parcialmente y su movilidad tonal , es decir el ritornello sirve como referencia de construcción ya que se expone al principio y al final en su tono siendo normalmente sus otras intervenciones,  hitos que señalan las secciones en tonalidades cercanas siguiendo el círculo de quintas y las posibilidades de la tonalidad que en esta época articula completamente las formas .

Se solían interpretar estas obras dentro de la iglesia como parte de los oficios divinos en la Pietá donde su autor , Vivaldi trabajó como maestro para las huérfanas del Ospedalle para las que tenía que componer incesantemente música  para su interpretación semanal
  Otros comentarios autor, históricos etc…


Es interesante comentar cualquier tipo de audición , de cualquier época, estilo, ámbito,género... cada una tendrá un comentario diferente según sus cualidades. Conviene recordar que estamos en Historia de la Música, no se trata pues de algo tan prosaico que podamos aplicar un patrón o un molde:  sería un error considera algo tan grande como ese proceso histórico en occidente,  desde un punto de vista limitado simplemente considerando  "la historia de la música que tocamos o conocemos", que siempre será algo más concreto o centrado en un período. Además  existen, como todos sabemos, más formas y estilos de los que se suelen dar en los centros educativos.Hay muchas músicas más  en el espacio y en el tiempo(y aquí sólo vemos algunas).
En fin,  espero que os sirva como guía. Hay que recordar también que según el tipo de examen o prueba deberemos conceder más o menos  tiempo según el valor de la pregunta. en el ejemplo anterior, lo expuesto en las tres primeras líneas podrían ser suficiente, en casi todos los casos.

10 de marzo de 2015

Rameau el armónico

A pesar de ser considerado por alguno de sus detractores lullistas un compositor artificial y extravagante, Rameau ejemplifica como nadie el  orden cartesiano, algo que se refleja en sus propias obras, especialmente en la propia asunción en la práctica de su teoría armónica entendida ésta como parte  de un orden universal.

El Rameau teórico registra y establece las principales bases de la tonalidad y lo escrito por él en su Traité de L `Harmonie de 1722  sigue rigiendo la mayor parte de la mayor parte de la música a día de hoy. Rameau tiene el mérito por tanto de recoger una práctica, analizarla en profundidad y asentar una serie de principios universales muy en boga con el pensamiento racionalista de la época (pensamiento  de origen francés que por cierto contradice  esa asociación impertinente de lo  francés  con el barroco más amanerado). Así el Rameau compositor es el más tonal de los compositores del Barroco y en este  sentido es el iniciador del Clasicismo francés aunque es cierto también que en su galanterie todavía conserva rasgos profundamente barrocos como por ejemplo,  la utilización de la disonancia.


Además es Rameau sin ninguna duda, el compositor más genuinamente heredero de las óperas y la música de Lully al que él admiraba profundamente. Como muestra, el famoso rondeau de su ópera Les indes galantes:  el ballet en Francia es todavía a mediados del XVIII capital en la ópera como Lully había establecido,   sus obras están además  llenas de deliciosos divertissements como los que podemos ver en estos vídeos.



Dos fragmentos de Les indes galantes con escenografía moderna. La versión es de William Christie

7 de marzo de 2015

Concierto de en la menor para violín, cuerda y Bajo continuo, op3 nº 6, RV 356 de Antonio Vivaldi


Se trata sin duda de  uno de los conciertos más conocidos del Prete rosso,  pertenece a  su colección L´estro armonico (op. 3) compuesto para sus alumnas del Pio Ospedale de la Pietá . La idea de los conciertos en medio de un servicio divino o en tre las dos partes de la interpretacion de un oratorio nos hace pensar en algo así como música religiosa para la orquesta,  al fin y al cabo aquellas alumnas suyas para las que pensó una gran parte de sus conciertos vivían en clausura como monjas , aunque  la mayoría no lo eran . Es curioso que este modo de producción "a la carta" se haya convertido en la principal causa de la inmensa producción de los compositores del Siglo XVIII. Cuando Vivaldi pensaba en un concierto para solistas tenía en mente  como explotar las habilidades - y limitaciones- de esas alumnas del Ospedale. Hay que añadir algo que sorprende a nuestro actual  concepto  del aprendizaje  musical y es que estas jóvenes no se preparaban en absoluto para una vida de músico profesional , sino que este bagaje era parte de su educación básica.


En otro orden de cosas hay que aclarar que aunque Vivaldi acuñó su modelo de concierto para solista a partir de la idea del concierto de Corelli ,  el hecho de dotar a los soli de sus obras de pasajes abstractos y virtuosísticos además de la centralidad temática del tutti  diferencian enormememente  sus conciertos  de los de  sus contemporáneos.

La forma principal del concierto solista  es la del ritornello. En esta forma la textura alterna entre el tutti instrumental que como se decía,  tiene los pasajes temáticos y el solo que los  ornamenta o parafrasea (también hay pasajes nuevos). De los tres temas que se encuentran en el primer tutti se extrae de hecho, casi todo el material , como veremos en el aula. 


Otra cuestión es la regulación tonal de la sintaxis y de la forma, como vimos se empieza y se acaba en la tónica con una modulación en el centro del movimiento hacia el quinto grado .

 Hay un enlace en CESGA con un mp 3 en el que puede escuchar el concierto completo y seguir en la partitura en pdf  del primer tiempo que es el que se ha visto en clase , allí  vimos las particellas de una edición  del momento de Etienne Roger fechada en 1743 en Amsterdam, este pdf de la  partitura moderna está basada en esa edición práctica. 



Tema 3 HM II LOE Música europea de la primera mitad del siglo XVIII

Éste es el esquema que veremos en clase  con los puntos a tratar sobre la música europea más relevante  en la primera mitad del siglo XVIII ; se trata del último período del Barroco en el que hay nombre tan importantes como Vivaldi , Bach o Haendel . Entramos de lleno en un período del repertorio que se interpreta normalmente en salas de concierto y en los programas  de  las  escuelas de música por lo que todo comenzará a resultar más familiar..

Tema 3   Música europea de la primera mitad del siglo XVIII 

1 Cuestiones generales

1.1 El contexto europeo.
1.2 El cambio de estilo del barroco tardío.

2 La música en Italia

2.1 Centros principales: Nápoles, Roma, Venecia .
2.2 El estilo de Concierto y su influencia. A. Vivaldi.  

3 Francia.

3.1 La fusión de los estilos. Couperin.
3.3 Rameau.
3.3.1Las óperas.
3.3.2 La teoría: El establecimiento de la tonalidad moderna. El temperamento igual.
4  Alemania en el Barroco tardío: Bach y Haendel  

4.1 Johann Sebastian Bach.

4.1.1  La música vocal: Cantatas,  Pasiones, etc.
4.1.2 Música instrumental: música de tecla, música de cámara,  las suites orquestales y los conciertos. 

4.2  Haendel

4.2.1 Música vocal : Las óperas y los oratorios.
4.2.2 La música instrumental.

16 de febrero de 2015

Tema 2: La música instrumental en el siglo XVII

Está ya colgado en CESGA  el  esquema del tema 2.
El siglo XVII es el del definitivo arranque de las formas instrumentales autónomas.Durante este siglo se va a dar   una gran  producción de  música instrumental dentro de un amplio abanico de géneros y formas cada vez  más independientes de los  vocales. Son nuevos géneros que complementan las formas instrumentales ya existentes, incluso en éstas se dan enormes cambios   como  ocurre con la danza: (  las nuevas formas basadas en la música de danza  ejemplifican como una música de corte funcional  se convierte en música para escuchar, cambiando su enfoque estético).

Veremos aquí la evolución que va desde las primeras obras instrumentales del Seicento-  todavía  herederas en algunos aspectos del punto de vista renacentista-  hasta  las Suites de danza o  las sonatas de Corelli  para finalizar con   los conciertos de finales de siglo, que darán lugar a la música del XVIII que todos conocemos a través de Vivaldi, Bach o Handel a los que estudiaremos en el tema 3 .

Habrá también mención a la poco conocida música instrumental española del siglo XVII para en  un pdf  que está tb. en CESGA.

12 de febrero de 2015

Audiciones tema 1 La música vocal en el siglo XVII

1.Madrigal a solo / C Monteverdi : Lamento della Ninfa.http://www.youtube.com/watch?v=z3ZX5hFN-is
2.Cantata profana/  Barbara Strozzi:  Lagrime mie ( en blog)
3 Catch/ Henry Purcell: Come , let us drink       http://www.youtube.com/watch?v=fUnX6nBmtEw
4. Tono humano/ José Marín : Ojos pues me desdeñáis
http://www.youtube.com/watch?v=kpWgGojoH5Y
5 Oratorio/ G . Carissimi : Jephte ( tercera sección )( en blog )
6. Gran Concierto Sacro / H . Schütz:  Saul was verflogst du mich? .
 http://www.youtube.com/watch?v=7PAj24_9JqM
7 Aria da capo /  A Scarlatti:  Mi rivedi boschi ombrosi (de la ópera La Griselda) ( en Blog )
8 J B Lully :  Ouverture de Armide/ http://www.youtube.com/watch?v=HWIaanFmhYY
9 Recitaf & air  de la Tragedie lyrique Armide (J B  Lully ) - En fin il est ma puisssance-
 http://www.youtube.com/watch?v=YPSiWmUU4gM

10 Henry Purcell :Recitativo y aria de la ópera Dido y Eneas:  Thy Hand Belinda/ When i am laid   http://www.youtube.com/watch?v=H3wAarmPYKU   

El aria da capo

En la segunda mitad del siglo XVII  y comienzos del XVIII los cantantes y las arias crearán furor. Las clases altas y medias ansiaban escuchar a sus cantantes predilectos  realizando arias en las que mostraran sus virtudes cantoras especialmente en el aria Da capo cuya estructura A B A' permite una exhibición con  abundante ornamentación en la repetició de A .
 El drama se convertirá en Italia en una disculpa para este tipo de exhibición que el público solicitaba pasando la trama a un segundo plano al igual que el resto de los elementos de una ópera. Es conocido que gran parte del público realizaba otro tipo de actividades dentro del teatro, apuestas, charla, canapésen algunos casos  sólo prestaban atención cuando el aria se veía llegar. Ésta es una de las razones de la decadencia del drama y la aparición de los primeros éxitos vocales. Una muestra temprana de lo que ocurre cuando se mezcla la  música  y el negocio .

Abajo un ejemplo de Aria DC de Alessandro Scarlatti,   compositor  de cantatas fundamentalmente, y padre del más famoso en España, Domenico Scarlatti,  que se decicó esencialmente a la música de tecla. En  este caso,  esta aria  pertenece a su ópera Griselda de 1721 que podemos escuchar en una  grabación dirigida por Rene Jacobs con Dorothea Roschmann en el  papel protagonista.

Por cierto, el aria DC se utilizará ahora en la cantata ,que cada vez se parece más a una escena de ópera y que incluso llegaría a representarse ante una élite que consideraba de mal gusto cierto tipo de ópera, algo que desde luego,  se puede interpretar en clave  social como un nuevo método de distinción cuando la ópera se había convertido en algo más o menos público (y  esto resulta familar también).

Scarlatti: Griselda- Mi rivedi o selva ombrosa

http://www.youtube.com/watch?v=_M62Dr5LmmY